Les 41 meilleures adaptations de jeux vidéo au cinéma et à la télévision

Les meilleurs films et séries adaptés de jeux vidéo ne se limitent pas à The Last of Us et Arcane. On y trouve des aventures dans l’esprit d’Indiana Jones, des films d’horreur sombres, des films d’action spectaculaires et des longs métrages d’animation pour toute la famille. Nous avons rassemblé les films et séries à voir en 2026, du Mortal Kombat original aux histoires se déroulant dans les univers de League of Legends et Cyberpunk 2077.

Certaines adaptations recréent fidèlement des événements connus, tandis que d’autres prennent les jeux comme point de départ pour raconter une histoire originale. Connaître le matériau d’origine permet de repérer les références, mais beaucoup de ces films et séries peuvent aussi s’apprécier sans avoir joué aux jeux.

Artéfacts anciens, ordres secrets et guerres dans des royaumes magiques : ces adaptations se cantonnent rarement à un seul genre. Cette section passe en revue les films inspirés de Tomb Raider, Uncharted, Prince of Persia, Assassin’s Creed et Warcraft, des chasses au trésor aux batailles d’envergure entre humains et orcs.

Lara Croft compte parmi les héroïnes les plus reconnaissables du jeu vidéo. Aventurière audacieuse, armée de deux pistolets, exploratrice de tombes antiques et toujours prompte à s’attirer des ennuis, elle semblait faite pour le grand écran. Les deux premiers films sont restés fidèles à cette version classique du personnage.

Angelina Jolie a tenu le rôle principal dans Lara Croft: Tomb Raider, sorti en 2001. Elle a su retranscrire l’assurance, la débrouillardise et l’humour pince-sans-rire de Lara, tout en apportant sa propre touche au personnage. Le film a conservé le goût de l’aventure des jeux, et Jolie était si convaincante qu’elle reste, pour beaucoup de spectateurs, l’incarnation définitive de Lara à l’écran.

L’intrigue reprenait les mêmes idées extravagantes que les jeux, si bien que les tombes mystérieuses et les artéfacts fantastiques y trouvaient parfaitement leur place. Une suite a suivi, avec l’ambition d’approfondir le personnage de Lara et de mieux comprendre ce qui l’anime.

Plus de vingt ans après leur sortie, les deux films restent des adaptations divertissantes et offrent toujours le bon moment qu’ils promettaient.

Les fans étaient ravis de voir Jake Gyllenhaal revêtir l’armure emblématique de Prince of Persia: Warrior Within. Disney espérait tenir son prochain Pirates des Caraïbes, et Jordan Mechner, le créateur de Prince of Persia, a participé à l’adaptation.

Tout semblait réuni pour que le film soit un succès. Pourtant, malgré un budget conséquent, un matériau d’origine solide et un univers de fantasy séduisant, il a reçu un accueil mitigé de la part de la critique comme du public. Prince of Persia n’avait pourtant pas grand-chose à se reprocher. Le quatrième Pirates des Caraïbes, sorti peu après, était pire à presque tous les égards.

L’adaptation explorait de nouvelles facettes du Prince en lui donnant un nom et une histoire personnelle. La Dague du Temps était également de la partie, et les effets utilisés pour remonter le temps sont toujours impressionnants. Le passage du jeu au film paraissait tout à fait naturel.

Les fans n’étaient pourtant pas convaincus, bien sûr. Le film modifiait considérablement l’histoire et tenait davantage de l’adaptation libre que du récit fidèle. Mais Resident Evil et Silent Hill avaient déjà montré que ce n’était pas forcément un problème.

L’envolée du budget était une autre affaire. Les reshoots ont fait de The Sands of Time un projet coûteux, et le public n’était pas prêt à se laisser embarquer dans une toute nouvelle franchise d’une telle ampleur. Disney a perdu près de 100 millions de dollars, et les projets de suite n’ont jamais abouti.

Les problèmes d’intrigue et la sentimentalité habituelle de Disney n’y changent rien : c’est une formidable aventure de fantasy portée par l’un des personnages les plus célèbres du jeu vidéo. Le film manque peut-être du ton plus mordant que certains fans espéraient, mais il reste captivant et trépidant.

Un film Assassin’s Creed se faisait attendre depuis longtemps. Après des années de développement chaotique, il a vu le jour avec une distribution prestigieuse menée par Michael Fassbender, Marion Cotillard et Jeremy Irons, ainsi qu’un nouvel Assassin espagnol jamais apparu dans les jeux. Une fois de plus, la critique a descendu le résultat et les suites prévues ont été abandonnées. Dommage, vu le potentiel du projet.

En prenant l’histoire de Desmond Miles comme modèle, les scénaristes ont remanié l’intrigue et intensifié le conflit moderne entre Assassins et Templiers. Les fans ont reproché au film de passer trop de temps dans le présent, avec seulement de brefs retours dans les souvenirs des ancêtres, qui apportaient peu de contexte. Pourtant, les jeux nous avaient étonnamment peu appris sur le fonctionnement des Assassins modernes. Après dix jeux, nous n’avions toujours guère vu comment ces agents encapuchonnés pouvaient prendre d’assaut un gratte-ciel d’Abstergo, ni jusqu’où avaient évolué leurs lames secrètes. Le film promettait d’explorer cet aspect de l’univers.

Autre idée astucieuse : la refonte de l’Animus, l’appareil permettant d’accéder aux souvenirs génétiques. Dans les jeux, il avait d’abord pris la forme d’une plateforme inclinable, avant de devenir un casque de réalité virtuelle. Le film proposait un nouveau design, qui rendait plus crédible la possibilité pour une personne ordinaire d’acquérir les aptitudes d’un ancêtre après seulement quelques séances. Étonnant que les jeux n’aient pas repris cette idée.

Le film avait aussi son lot de faiblesses. Comme plusieurs suites étaient prévues dès le départ, ce premier volet était plombé par les préparatifs de la suite. Au lieu de découvrir les personnages, leurs pensées, leurs sentiments et leurs motivations, on devait suivre un cours accéléré sur l’univers. L’Assassin espagnol manquait également de profondeur et n’était guère plus qu’un avatar vide.

Son plus gros défaut était de s’adresser presque exclusivement aux fans déjà acquis. Assassin’s Creed a été conçu avant tout pour les joueurs, comme si les créateurs avaient oublié que le grand public — critiques compris — pouvait tout ignorer de sa mythologie. Un critique s’est même plaint que personne n’ait mordu dans la Pomme d’Eden à la place d’Ève. Cela donne une idée de sa connaissance du matériau d’origine, et cette critique était loin d’être la seule à passer à côté.

Malgré les critiques, les fans de longue date des jeux ne devraient pas faire l’impasse sur Assassin’s Creed. C’est un film soigné, porté par un véritable amour de la série, même s’il ne réussit pas tout. Netflix développe également sa propre série, dont le tournage a débuté à Rome en 2026. Selon le résultat, le film pourrait bien passer pour un modèle d’adaptation en comparaison.

Warcraft, c’est l’équivalent du Seigneur des anneaux dans le jeu vidéo. Son immense univers regorge d’histoires couvrant des siècles et d’une multitude de héros et de méchants, et il ne cesse de s’étendre. En adapter ne serait-ce qu’une petite partie est une tâche redoutable. Un film ou une série doit plaire aux fans tout en restant accessible à ceux qui n’ont jamais entendu parler de Thrall, Arthas ou Medivh.

Le réalisateur Duncan Jones a relevé le défi. Il a signé un film cohérent et accessible, qui ne laisse pas les néophytes peiner à suivre l’histoire. Son seul véritable défaut est de ressembler au prologue d’un récit bien plus vaste. Les visuels singuliers sortaient du lot, et l’idée que les deux camps aient une cause légitime restait novatrice dans un blockbuster de fantasy.

Malheureusement, une suite paraît désormais peu probable. L’énorme budget a empêché le film de devenir rentable. Une fois de plus, les fans et les critiques qui connaissaient mal Warcraft ont contribué à compromettre ses chances.

Certains ont critiqué des designs de personnages pourtant assez fidèles aux jeux. D’autres semblaient déçus que le film ne puisse pas condenser des milliers d’années d’histoire en un seul long métrage. Ces reproches étaient peu convaincants. Les orcs « cartoonesques » avaient certes une apparence différente de leurs homologues du Seigneur des anneaux, mais ils pouvaient exprimer toute une gamme d’émotions, un élément essentiel à l’idée centrale du film. Avatar de James Cameron reposait lui aussi sur des personnages numériques, et pourtant l’apparence artificielle de ses Na’vi bleus ne semblait gêner personne.

Les critiques ont balayé Warcraft comme une perte de temps. À la lumière des nombreuses adaptations ratées qui ont suivi — The Witcher de Netflix vient tout de suite à l’esprit —, ce verdict paraît encore plus absurde aujourd’hui. Les cinéastes ont proposé de la fantasy épique, une vraie complexité morale et des effets visuels extraordinaires, mais les critiques l’ont écarté, le jugeant trop naïf et trop proche d’un conte de fées.

Warcraft reste l’une des meilleures adaptations de jeux vidéo et ouvre les portes de l’extraordinaire monde de magie et de guerre d’Azeroth. Les lieux de World of Warcraft recréés avec minutie, les personnages familiers et les innombrables clins d’œil en font un film à part dans cette sélection. Dommage que tant de critiques injustes aient contribué à mettre un terme au projet de suite.

Le reboot du jeu Tomb Raider, où Lara, moins expérimentée, affrontait une île peuplée d’ennemis armés, a rapidement attiré l’attention d’Hollywood. L’histoire semblait taillée pour le grand écran, mais les cinéastes en ont décidé autrement. Ils l’ont une nouvelle fois remaniée, en ne conservant que des éléments de l’intrigue du jeu. L’adaptation s’est tout de même avérée réussie, et Alicia Vikander s’est révélée un excellent choix pour le rôle principal.

Certains fans n’étaient pas convaincus par le choix de l’actrice, ce qui n’avait rien d’étonnant. Voir Lara devenir peu à peu la pilleuse de tombes que nous connaissons était une aventure captivante. Dommage que nous n’ayons pas droit à une suite.

Uncharted a fait grand bruit à sa sortie en 2022. Tom Holland y incarnait le chasseur de trésors Nathan Drake, permettant aux cinéastes de se pencher sur la jeunesse du personnage et de raconter leur propre histoire des origines, différente de celle des jeux.

Sans surprise, les fans ont vivement réagi. Tout a été critiqué, du Drake de Holland à l'absence de moustache de son partenaire Sully. On a parfois l'impression que les plus grands ennemis des adaptations de jeux vidéo sont les fans qui les attendaient le plus.

La popularité des vedettes au casting et un scénario solide, inspiré des jeux, ont aidé Uncharted à surmonter la tempête. Le film a été rentable et a convaincu Sony de lancer une suite.

Les aventures de chasse au trésor dans la veine de Lara Croft et d'Indiana Jones sont rares. Nous espérons donc que cette série aura un bel avenir sur grand écran. Elle n'a pas besoin de suivre les jeux à la lettre pour plaire autant aux fans qu'aux néophytes.

Voir à l'écran des personnages, des armes et des mouvements emblématiques que l'on connaît fait partie du charme des adaptations d'action. Cette section est consacrée aux films et aux séries inspirés de jeux de combat, d'action-infiltration et de classiques d'arcade : des tournois de Mortal Kombat aux missions secrètes de Sam Fisher, en passant par les monstres géants de Rampage.

Mortal Kombat mérite sa réputation de référence des films d'action des années 1990 et des adaptations de jeux vidéo. À l'époque, ses personnages mémorables, ses combats impressionnants et son fan service bien dosé ont contribué à redéfinir les possibilités du genre. La suite, Mortal Kombat: Annihilation, n'a pas réussi à renouveler cet exploit et a essuyé des critiques désastreuses, tant de la part des professionnels que du public.

Malgré son statut culte, le film de 1995 a toutefois pris un sacré coup de vieux. La nostalgie est désormais son principal attrait, et son intrigue peu étoffée risque de ne pas vous captiver. Les jeux Mortal Kombat récents racontent des histoires bien plus ambitieuses et appellent des adaptations très différentes.

Il s'était écoulé beaucoup de temps depuis que Mortal Kombat avait proposé quelque chose d'excitant à l'écran, alors qu'un nouveau film se faisait attendre depuis longtemps. L'engouement suscité par les deux premiers films était retombé, tandis que les conflits des jeux avaient pris une ampleur comparable à celle d'Avengers: Endgame.

L'annonce n'a pas suscité beaucoup d'enthousiasme. Le personnage principal avait été créé spécialement pour le film et la liste de combattants promise semblait limitée. Heureusement, le résultat s'est révélé bien plus divertissant que ne le laissait présager ce concept. Les combats sont bien chorégraphiés, les personnages exécutent régulièrement leurs coups emblématiques et multiplient les clins d'œil aux jeux. Les combattants connus sont fidèles à leur apparence, et l'histoire reste prenante, même si elle sert de prologue à l'affrontement principal. Le film avait encore de nombreux défauts, mais ils ne l'ont pas empêché de réussir.

Le film de 2021 a consacré la majeure partie de sa durée à préparer un tournoi qui n'a jamais eu lieu. La suite nous offre enfin le tournoi de Mortal Kombat. Les champions du Royaume Terre affrontent les combattants de Shao Kahn, rejoints par Johnny Cage, une star de cinéma qui doit prouver qu'il sait se battre quand les caméras ne tournent pas.

Cage, interprété par Karl Urban, apporte une énergie bienvenue au film. Sa décontraction et ses répliques cinglantes conviennent parfaitement à un univers où le sort de l'humanité se décide à coups de poing et de Fatality particulièrement inventive. Les combats sont aussi plus palpitants et laissent davantage de place aux personnages pour montrer leurs coups emblématiques et nous rappeler pourquoi les fans les ont aimés au départ.

Le scénario sert encore principalement de prétexte pour réunir tout le monde dans l'arène : n'en attendez donc pas une grande profondeur dramatique. Cela dit, pour les fans de Mortal Kombat en quête d'un film d'action sanglant, cette suite est plus maîtrisée que son prédécesseur. Nous revenons plus en détail sur le sujet dans notre critique de Mortal Kombat II.

Contrairement à Mortal Kombat, Tekken n'a guère eu de chance avec ses adaptations à l'écran. L'anime a redressé la barre en explorant la jeunesse de Jin Kazama, sa relation avec son célèbre grand-père et la façon dont il a rejoint le tournoi emblématique.

Bloodline est incontournable pour les fans qui souhaitent en apprendre davantage sur leurs personnages préférés. Les néophytes risquent de trouver la série décousue et sa narration précipitée. Beaucoup de combats se déroulent hors champ, et la série suppose que le public connaît déjà des relations qu'elle n'a pas vraiment pris le temps de présenter.

Les jeux d'arcade peuvent constituer un excellent point de départ pour des adaptations cinématographiques. Comme leur univers et leurs personnages sont souvent peu développés, les cinéastes ont toute latitude pour emmener l'histoire dans presque n'importe quelle direction. C'est exactement ce qui s'est passé avec Rampage.

Le jeu original était on ne peut plus simple. Trois créatures gigantesques — un gorille rappelant King Kong, un loup et un lézard — ravagent une ville et détruisent tout sur leur passage. L'histoire expliquait qu'ils avaient été humains avant que des expériences ne les transforment en monstres, mais cela n'avait guère d'incidence sur le jeu.

Le film modifie le concept et ajoute des personnages humains. Ici, des animaux ordinaires atteignent une taille gigantesque et acquièrent de nouvelles capacités à la suite d'expériences en laboratoire. Le loup, par exemple, peut planer comme un écureuil volant.

Dwayne Johnson tient le rôle principal parmi les humains et incarne son habituel costaud compétent au grand cœur. Les autres personnages sont si fades qu'il n'y a pas grand-chose à en dire.

Les monstres géants ont toujours leur public. Godzilla, après tout, reste populaire dans le monde entier. Les cinéastes ont eu la sagesse de garder les choses aussi terre-à-terre que possible pour un film mettant en scène des animaux géants, sans magie, Terre creuse ni dieux marins pour compliquer l'affaire. Vu le peu de matière offert par le jeu original, ils s'en sont plutôt bien sortis.

Sam Fisher a droit à sa propre série d'animation pour adultes. L'agent chevronné est déjà une légende de l'espionnage, mais il ne peut pas se permettre de rester à l'écart des ennuis. Lorsque Zinnia McKenna, une agente blessée, vient lui demander de l'aide, Fisher se retrouve entraîné dans une nouvelle mission dangereuse et un complot international.

John Wick ayant pour créateur Derek Kolstad, qui participe à l'écriture, l'accent mis sur une action brutale et soigneusement mise en scène n'a rien d'étonnant. Personne ne perd son temps à expliquer son plan à un ennemi, et la moindre erreur peut avoir de lourdes conséquences. Fisher a beau avoir vieilli, il garde le sang-froid de quelqu'un qui évalue la situation avant d'agir.

L'intrigue d'espionnage complexe laisse parfois la place à des poursuites et à des fusillades. Les amateurs d'infiltration méthodique devraient en tenir compte, comme nous l'expliquons dans notre critique de Splinter Cell: Deathwatch. Cela dit, en tant que série d'action efficace mettant en scène un vieux routier contraint de réparer les dégâts causés par les autres, Deathwatch est divertissante. Il n'est pas nécessaire de connaître les détails des précédentes missions de Sam pour la suivre.

Les films inspirés de jeux de course peuvent explorer le sport automobile professionnel ou les courses de rue. Need for Speed et Gran Turismo mettent l’accent sur la vitesse, les voitures et la rivalité. Twisted Metal suit une autre voie, mêlant véhicules armés, humour noir et road trip à travers une Amérique post-apocalyptique.

Adapter des jeux de course est un défi. Il n’est pas facile de bâtir une histoire captivante autour de voitures et de circuits. Gran Turismo a finalement débarqué au cinéma en 2023, tandis que les films Fast & Furious engrangent des millions depuis des années. La raison est simple : les voitures ne sont plus l’attraction principale des aventures de Dominic Toretto.

Avec peu de concurrence pour Dom et sa famille, les films deviennent toujours plus extravagants, tandis que les courses perdent de leur intérêt. Combien de courses vous souvenez-vous vraiment avoir vues dans les trois derniers films ? Cela n’a pas toujours été le cas. En 2014, Electronic Arts et DreamWorks SKG ont entrepris de proposer de quoi se rincer l’œil avec de belles voitures, en adaptant l’une des franchises de course les plus connues du jeu vidéo : Need for Speed.

Le film n’a jamais rencontré le succès qu’il méritait. Étonnamment réussi, il reste concentré sur l’essentiel : les courses. Les supercars ne bondissent peut-être pas d’un gratte-ciel à l’autre, mais les cascades et les poursuites semblent crédiblement réelles. Les cinéastes ont privilégié les cascades pratiques et les tournages en décors réels plutôt que les images de synthèse, conférant à l’action un avantage appréciable sur ses concurrentes.

Le personnage principal paraît lui aussi ancré dans le réel. Pas de braquages délirants, d’empires criminels ni de pouvoirs dignes d’un super-héros. Tobey Marshall est un mécanicien talentueux qui aime son métier, interprété par Aaron Paul, connu pour Breaking Bad et Westworld.

Les critiques ont reproché au film la simplicité de son intrigue, oubliant apparemment que The Fast and the Furious était à l’origine une histoire toute simple de policier infiltré. Gran Turismo a lui aussi adopté une approche plus réaliste en 2023, ce qui rend l’échec de Need for Speed d’autant plus amer. Si vous en avez assez de voir Vin Diesel défier les lois de la physique et que vous voulez admirer de magnifiques supercars en action, donnez sa chance à ce film. Même aujourd’hui, ses effets pratiques sont impressionnants.

L’adaptation de Gran Turismo était en préparation depuis des années, mais les projets n’arrêtaient pas de tomber à l’eau. Le film a finalement échappé à l’enfer du développement en 2023, et le résultat n’était pas tout à fait celui auquel beaucoup s’attendaient. Au lieu d’un drame sportif sérieux, il propose une histoire classique d’outsider qui apprend à croire en lui et à réussir contre toute attente. La formule est connue, mais elle a fait ses preuves. Les critiques ont dans l’ensemble bien accueilli le film, tout comme le public. Une intrigue prévisible vaut certainement mieux qu’une adaptation approximative à la Uwe Boll.

Jann est un joueur passionné qui passe des heures à jouer à Gran Turismo avec un volant. Il est convaincu que son talent peut rivaliser avec celui des pilotes professionnels, même si sa famille ne partage pas sa confiance. Tout change lorsqu’il entend parler d’un concours dont le gagnant pourra prendre le volant d’une vraie voiture de course. Savoir que l’histoire est inspirée de faits réels la rend encore plus satisfaisante.

Gran Turismo n’est peut-être pas révolutionnaire, mais c’est un film bien réalisé qui respecte son matériau d’origine. Orlando Bloom et David Harbour lui apportent une belle dose de prestige.

Peu de gens attendaient grand-chose de Twisted Metal. La série de combats de véhicules a connu un immense succès autrefois, mais cette époque est révolue depuis longtemps. Les jeunes joueurs ne reconnaissent peut-être même pas le masque de clown et la tête enflammée de Sweet Tooth. Pourtant, la série s’est révélée excellente. Elle raconte une histoire originale — un choix judicieux, étant donné le peu d’intrigue des jeux à la base. Des clins d’œil et des références sont intégrés au récit, contribuant à donner du relief à son univers post-apocalyptique.

Des personnages attachants, un humour incisif et une intrigue prenante font de Twisted Metal une série qui vaut le détour. La saison 2 est sortie en 2025 et la série a depuis été renouvelée pour une troisième saison. Nous l’examinons de plus près dans notre critique de la saison 2 de Twisted Metal.

Des laboratoires secrets, une ville engloutie dans le brouillard, des animatroniques qui prennent vie et un monde ravagé par une pandémie : les jeux d’horreur ne manquent pas de matière pour inspirer les cinéastes. Cette section présente Resident Evil, Silent Hill, Five Nights at Freddy’s et The Last of Us, entre action contre des zombies, frissons surnaturels et drame de survie.

Les films Resident Evil avec Milla Jovovich sont très mal vus par les fans des jeux, et les raisons ne manquent pas : mépris du canon, intrigue étirée à l’excès, péripéties de plus en plus absurdes — et pas dans le bon sens — et apparitions maladroitement plaquées de personnages connus.

Mais la saga n’a pas commencé ainsi. Le premier film de Paul W. S. Anderson est passé près de restituer l’atmosphère des jeux. À l’époque, voir ces zombies sur grand écran était encore une nouveauté, et ils étaient suffisamment effrayants pour créer une véritable tension. Alice, interprétée par Jovovich, s’intégrait également très bien à cet univers. Au vu de l’évolution des jeux depuis, elle semble plus crédible que des personnages comme Ethan et Lady Dimitrescu.

L’histoire suit une équipe d’agents envoyée dans un laboratoire secret pour enquêter sur une fuite d’armes biologiques. Ce cadre horrifique familier devient plus intéressant lorsqu’on découvre que le virus peut conférer des capacités surhumaines à certaines personnes infectées, au lieu de les tuer.

Le premier Resident Evil reste un film d’action solide sur les zombies, qui mérite toujours d’être revu plus de vingt ans après sa sortie.

Resident Evil a droit à un nouveau reboot, cette fois sous la direction de Zach Cregger, réalisateur de Barbarian et Weapons. Son histoire met en scène un nouveau protagoniste, Bryan, un coursier médical. Une livraison ordinaire vire au cauchemar lorsqu’il se retrouve pris dans une épidémie et doit fuir une ville où plus rien n’a de sens.

La plus grande force du film réside dans la vulnérabilité de son héros. Bryan ne comprend pas grand-chose à ce qui se passe et doit survivre avec les moyens du bord, comme les protagonistes des jeux. Chaque nouvel obstacle exige une autre solution, et un bref répit peut rapidement se transformer en nouvelle catastrophe. Ce rythme évoque une sensation familière aux fans : atteindre la pièce suivante, reprendre son souffle, puis replonger dans le danger.

Cregger équilibre tension, gore et humour noir, tandis qu’Austin Abrams incarne avec conviction un personnage aussi effrayé que le public. C’est une histoire indépendante, avec ses propres personnages : nul besoin de connaître Umbrella sur le bout des doigts pour suivre. Pour les fans, le principal attrait tient à la façon dont le film restitue l’impression de lutter pour survivre dans les jeux. Nous explorons comment Cregger transpose l’horreur de survie à l’écran dans notre critique de Resident Evil (2026).

Neil Druckmann, scénariste principal de The Last of Us, a lui-même réalisé certains épisodes de son adaptation télévisée. Au début des années 2000, les adaptations de jeux vidéo étaient souvent confiées à des cinéastes qui connaissaient à peine le matériau d’origine. Silent Hill fait donc figure d’exception. Christophe Gans a passé des mois à tenter de convaincre les créateurs des jeux de le laisser réaliser le film. Il déclarait son amour pour la série dans presque chaque interview, sans que cela l’empêche de prendre d’importantes libertés avec son canon.

Le film de 2006 suit une mère qui tente de sauver sa fille dans une ville plongée dans un cauchemar brumeux. De nombreux éléments familiers sont reproduits avec minutie, mais le film raconte une histoire distincte, dépourvue de la profondeur philosophique des jeux et d’une grande partie de leur sous-texte. Il fonctionne malgré tout comme un film indépendant, aussi bien pour les joueurs que pour les néophytes.

Malgré ses incohérences, l’histoire était captivante et laissait la porte ouverte à une suite. Celle-ci est arrivée en 2012 et a été un véritable échec. Elle s’éloignait encore davantage des jeux et a mécontenté à peu près tout le monde : elle ne figurera donc pas dans cette liste.

Un jeu où l’on inspecte encore et encore le même couloir ne semble pas être le candidat idéal pour une adaptation au cinéma. C’est pourtant ce qui rend la vision de Genki Kawamura d’autant plus intéressante. Le film suit un homme qui tente de s’échapper d’un passage souterrain, mais se retrouve sans cesse au même endroit. Pour en sortir, il faut respecter une règle simple : repérer une anomalie et faire immédiatement demi-tour. Si rien ne paraît étrange, continuez d’avancer.

Très vite, on se prend au jeu avec lui. On étudie les panneaux, observe les passants, vérifie les portes et essaie de se rappeler si ce tronçon de couloir était identique une minute plus tôt. Un lieu ordinaire devient peu à peu effrayant, précisément parce qu’on a déjà appris à le connaître. Le moindre détail peut bouleverser cette image familière et nous faire douter de notre attention.

Les cinéastes donnent au protagoniste une histoire personnelle afin d’étoffer ce concept minimaliste, mais le passage sans fin reste le principal attrait du film. Les répétitions ralentissent parfois le rythme, tout en entretenant cette inquiétante impression d’être pris au piège. Ce qui rend Exit 8 particulièrement intéressant, c’est la façon dont le film transpose une mécanique de jeu à l’écran : même sans manette, on aura envie d’arrêter le personnage pour lui faire jeter un nouveau coup d’œil autour de lui.

Five Nights at Freddy's a été l’un des succès les plus inattendus de 2023. Cette expérience à petit budget n’a pourtant pas découragé les fans des jeux. Réalisé avec des moyens modestes selon les standards hollywoodiens, le film a rapporté au box-office plus de 14 fois son budget de production. Il a ses défauts : une intrigue médiocre, peu de tension et une grande liberté prise avec l’œuvre d’origine. Le public a néanmoins tranché, comme le montrent les notes et les recettes. Rien que pour son succès phénoménal et ses animatroniques recréés avec un soin remarquable, le film mérite le détour. Vous pourriez même y prendre goût.

Cette série à succès adapte l’un des meilleurs jeux de l’ère moderne. La première saison est sortie en 2023, suivie de la deuxième en 2025, et une troisième a été confirmée. Les créateurs avaient une tâche difficile : trouver quelque chose de nouveau à raconter, tout en respectant l’histoire établie et en l’enrichissant de manière intéressante. Tout ne fonctionne pas, mais le résultat est une série solide qu’on enchaîne facilement. Les fans apprécieront le souci du détail et les scènes clés recréées plan par plan, tandis que les non-joueurs découvriront enfin pourquoi tout le monde, dans cet univers, a si peur des champignons.

Comme dans les jeux, l’univers de Fallout est à la fois effrayant, absurde et étrangement séduisant. La série raconte une histoire inédite dans cet univers : nul besoin de passer des centaines d’heures dans les Terres désolées pour la suivre. Lucy, une habitante d’un abri, découvre la surface pour la première fois et croise la route de Maximus, un jeune soldat de la Confrérie de l’Acier, ainsi que d’un impitoyable chasseur de primes connu sous le nom de Ghoul.

Les trois personnages ont une vision du monde très différente. Lucy s’efforce de respecter des règles qui ne s’appliquent plus depuis longtemps à l’extérieur de l’abri. Maximus rêve de trouver sa place au sein d’une organisation puissante. Le Ghoul sait trop bien ce que valent les belles promesses. Leurs rencontres dévoilent le fonctionnement de cet univers à travers leurs actes et leurs conflits, tandis que les lieux et objets familiers enrichissent le récit.

La série réussit particulièrement bien à préserver la satire de Fallout. Les publicités qui promettent une vie heureuse, les marques d’inquiétude des entreprises et les chansons enjouées côtoient une cruauté atroce et les conséquences des expériences menées par d’autres. La saison 2 nous emmène à New Vegas, offrant encore plus de lieux à reconnaître aux fans. Les personnages restent toutefois captivants, même si la série vous a fait découvrir Vault-Tec pour la première fois.

Pour savoir quand sortira la saison 3 de Fallout et ce que l’avenir réserve aux personnages, consultez notre guide sur la prochaine saison de la série.

L’espace lointain, les villes cyberpunk, les guerres d’androïdes et les royaumes gothiques peuplés de vampires offrent un vaste terrain d’exploration aux adaptations de jeux vidéo. Cette section comprend Halo, Cyberpunk: Edgerunners, NieR: Automata Ver 1.1a, Arcane et Castlevania. Ces œuvres partagent des univers imaginatifs et des histoires où les conflits personnels s’entremêlent au destin de sociétés entières.

Halo fait passer Master Chief en prises de vues réelles, mais son histoire et sa personnalité diffèrent de celles des jeux. Quelques détails et les grandes lignes de la guerre ont été conservés. Les fans étaient furieux, mais je dirais que ces changements servent en réalité le personnage. Chief évolue enfin : de machine à tuer silencieuse, il devient une personne intéressante, et suivre son évolution est captivant.

Bien sûr, la série ne réussit pas tout. Les intrigues qui ne concernent pas les Spartans peuvent être franchement agaçantes. Malgré cela, c’est une série de science-fiction solide qui donne envie de découvrir la fin de son histoire. Ce n’est déjà pas rien.

S’il vous faut une preuve du pouvoir d’attraction de l’anime, la voici. Après la sortie de Cyberpunk: Edgerunners, les ventes du jeu ont été multipliées plusieurs fois, alors même que le titre de CD Projekt RED avait à l’époque une réputation peu flatteuse.

La recette du succès s’est révélée plus simple qu’on ne pourrait le croire : des personnages complexes, un monde qui semble vivant et une histoire tragique. Le jeu réunissait déjà tous ces ingrédients, mais la série les a mieux exploités.

Pas besoin d’être fan d’anime pour l’apprécier. Son véritable atout, c’est sa manière de restituer l’atmosphère de Night City. La première saison raconte également une histoire complète, tandis que Cyberpunk: Edgerunners 2 introduit une nouvelle intrigue et de nouveaux personnages.

Difficile d’imaginer Devil May Cry sans combats spectaculaires, épées gigantesques et héros capable de plaisanter au beau milieu d’une bataille apparemment désespérée. La série d’Adi Shankar et de Studio Mir entend préserver cet aspect des jeux. Dante gagne sa vie en chassant les démons et se retrouve peu à peu au cœur d’un conflit susceptible de faire tomber la barrière entre deux mondes. Le mystérieux White Rabbit est l’un de ses principaux ennemis.

L’adaptation donne le meilleur d’elle-même lorsque l’action s’emballe. Les personnages changent d’armes, projettent leurs ennemis dans tous les sens et se livrent à des combats qui ne feraient que perdre de leur superbe s’ils devaient respecter les lois de la physique. La musique et l’esthétique évoquent les films d’action et les clips du début des années 2000. Si c’est le style et le spectacle qui vous ont attiré vers les jeux, la série a de quoi vous plaire.

Les scénaristes prennent des libertés avec le canon, en attribuant aux personnages connus des histoires et des personnalités différentes. Certains de ces changements risquent de diviser les fans de longue date. La saison 2 met davantage l’accent sur la rivalité entre Dante et Vergil, faisant émerger une histoire de famille derrière les combats spectaculaires. Mieux vaut aborder la série comme une interprétation indépendante de l’univers de Capcom.

Pour découvrir notre avis sur la première saison, lisez notre critique de la série animée Devil May Cry.

Autre série animée de notre sélection, celle-ci a diffusé ses 24 épisodes en 2023 et 2024 : vous pouvez donc désormais découvrir l’histoire dans son intégralité. Elle suit de près l’intrigue du jeu, où deux androïdes affrontent des machines sur une Terre abandonnée par l’humanité.

Il y a toutefois une différence importante. Pour comprendre toute l’histoire du jeu et ses fins, il faut y jouer plusieurs fois, ce qui ne convient pas à tout le monde. L’anime couvre les événements principaux et rassemble les pièces du puzzle. Si le jeu vous a plu, mais que vous n’avez pas envie de le terminer trois à cinq fois, cette adaptation vaut le détour.

Les adaptations de jeux vidéo peuvent aussi donner lieu à des enquêtes insolites. Gnosia commence par un cauchemar en apparence simple : à bord d’un vaisseau spatial, des créatures se font passer pour des humains et tuent les passagers. L’équipage débat pour déterminer qui est suspect et envoie la personne désignée en sommeil cryogénique. Mais la protagoniste, Yuri, est prisonnière d’une boucle temporelle et doit découvrir à qui faire confiance, encore et encore.

À chaque répétition, l’intrigue gagne en complexité et dépasse le simple jeu du Loup-garou. Des visages familiers peuvent endosser des rôles très différents d’une boucle à l’autre, tandis que les informations recueillies auparavant éclairent leur comportement d’un nouveau jour. On finit par s’intéresser à bien plus qu’à la recherche du prochain imposteur : on prête attention aux personnages, à ce qu’ils cachent, à ce qui les effraie et aux raisons pour lesquelles ils s’accrochent autant à leurs décisions.

Il faut un peu de temps pour s’habituer aux règles de cet univers et aux débats récurrents. En contrepartie, la série exploite la structure en boucle du jeu pour dévoiler peu à peu un mystère plus vaste. C’est un bon choix si les intrigues, la construction d’un univers et les relations entre les personnages vous attirent dans les adaptations de jeux, et si vous en avez assez des tournois et des guerres contre les démons.

Peu de gens s’attendaient à ce qu’une série inspirée de League of Legends rencontre le succès, et encore moins une série animée. Le résultat n’en a été que plus surprenant. Arcane est une œuvre de fantasy intelligente et visuellement saisissante, qui vous captive en quelques minutes.

Une histoire de deux sœurs dans des camps opposés n’a rien de nouveau, mais tout dépend de la façon dont leur relation évolue. Les émotions et les luttes des personnages sonnent juste. Et comme personne n’est entièrement bon ou mauvais, on se surprend à soutenir des personnages des deux côtés.

C’est l’une de ces rares adaptations qui transforment des avatars apparemment génériques, reconnaissables surtout à leurs attaques dans une arène, en personnages pleinement développés et mémorables. Voir l’histoire se déployer et ses nombreux fils se rejoindre est un vrai plaisir. Le seul regret, c’est qu’il n’y ait pas assez d’épisodes. L’histoire s’est achevée avec la deuxième saison, en 2024.

Cet anime adapte un jeu célèbre — ou plutôt toute une série. Les jeux racontent le combat séculaire de la famille Belmont contre Dracula et ses sbires vampires. En quelques minutes, la série annonce une intrigue plus complexe qu’il n’y paraît, sans héros totalement irréprochables.

Les quatre saisons valent largement le coup d’œil. Sanglant, brutal et sombre, Castlevania peut surprendre même les fans de longue date des jeux, tandis que son style visuel séduira les amateurs d’animation.

Après l’histoire de Trevor Belmont, la série nous transporte dans la France de la fin du XVIIIe siècle. Sur fond de révolution, le jeune chasseur Richter Belmont et ses alliés tentent d’arrêter des vampires qui ont leurs propres projets pour l’avenir de l’humanité. L’atmosphère est résolument Castlevania : décors gothiques, magie, combats brutaux et héros contraints d’affronter leur passé au beau milieu d’une nouvelle catastrophe.

Nocturne puise dans les jeux mettant en scène Richter tout en racontant sa propre version des événements. Des personnages et des images familiers prennent place dans une histoire où le conflit entre humains et vampires se mêle à des questions de pouvoir, de foi et de liberté. Les créateurs n’oublient pas non plus que le public est là pour chasser des monstres. Les pouvoirs magiques et la variété des armes donnent à chaque grand affrontement des moments spectaculaires.

La première saison prend le temps de présenter les nouveaux personnages. Dans la deuxième, l’intrigue s’accélère, les relations gagnent en intérêt et la chorégraphie des combats vous donne encore plus de raisons de mettre sur pause pour admirer certaines images. Si vous avez aimé la série originale Castlevania, c’est une suite toute trouvée pour poursuivre votre exploration de cet univers.

Tim Miller, l’un des créateurs de Love, Death & Robots, transpose un format similaire dans l’univers des jeux vidéo. La première saison de Secret Level se compose de 15 courts métrages indépendants. Chacun a son histoire, ses personnages et son ambiance : un épisode d’action de science-fiction sombre peut laisser place à de la fantasy ou à une interprétation totalement inattendue d’un jeu d’arcade bien connu.

Warhammer 40,000, Armored Core et Unreal Tournament comptent parmi les univers les plus réussis. Le format court permet à un épisode de vous plonger directement dans l’action, de révéler les personnages par leurs actes et de s’achever avant que ses combats spectaculaires ne s’éternisent. L’anthologie fonctionne particulièrement bien avec les univers qui se prêtent à des récits dépassant les aventures d’un protagoniste de jeu en particulier.

La qualité des épisodes varie toutefois considérablement. Certains racontent une histoire complète en quelques minutes ; d’autres ressemblent davantage à de magnifiques publicités qui s’interrompent juste au moment où les choses deviennent intéressantes. Ne vous attendez pas à 15 chefs-d’œuvre miniatures. Malgré tout, certaines histoires vous donneront envie de retourner à un jeu connu ou d’en apprendre davantage sur un univers encore inexploré.

Le versant plus léger des adaptations de jeux vidéo nous offre des comédies et des aventures avec Mario, Sonic, Pikachu et les Angry Birds. Ces films présentent leur univers sans longues explications et construisent leur intrigue autour de conflits faciles à suivre. De son côté, The Cuphead Show! met en scène les personnages de Cuphead dans de courtes aventures animées.

L’adaptation animée d’ Angry Birds s’est révélée à peu près conforme aux attentes. Un humour léger, une intrigue simple et de nombreuses références ont fait son succès. Red, le célèbre oiseau rouge, tient le premier rôle.

Le film s’adresse clairement aux enfants, mais les adultes y trouveront aussi leur compte. Il explique également comment le conflit a commencé et pourquoi ces oiseaux colorés détestent tant les cochons verts. Malheureusement, la suite est en baisse sur tous les plans. Les blagues deviennent franchement puériles, les personnages n’évoluent pas et le scénario donne l’impression de racler les fonds de tiroir pour trouver des idées.

Le jeu mobile Pokémon Go a autrefois conquis le monde entier. Son principe était d’une simplicité réjouissante : se promener dans le monde réel et capturer des créatures virtuelles à travers l’appareil photo de son téléphone. Tout le monde pouvait s’y mettre. Un film ou une série semblait être une suite logique à ce succès, et Hollywood a répondu avec Pokémon Detective Pikachu, en traitant l’univers Pokémon avec soin et affection. Un jeu du même nom existait déjà. Les créatures conservent leur apparence de dessin animé, tandis que les images de synthèse leur donnent un aspect plus réaliste ; les acteurs en prises de vues réelles apportent juste ce qu’il faut de drame pour ancrer ce chaos.

L’histoire suit Tim, parti à la recherche de son père disparu. Il est aidé par l’ancien partenaire de son père, le détective Pikachu, qui se révèle à la fois malin et capable de parler.

Cette enquête est plaisante et réserve quelques rebondissements. Les règles assez simples de cet univers permettent d’en profiter sans connaître par cœur toute l’histoire de Pokémon. Le film raconte aussi une histoire complète. Il a rencontré un beau succès au box-office et mérite sa place parmi les meilleures adaptations de jeux vidéo.

Les Pokémon aussi ont droit à des vacances. Dans cette courte série, ils séjournent dans une station balnéaire tropicale où Haru, nouvelle employée, apprend à prendre soin des clients tout en affrontant ses propres angoisses. Trouver la bonne approche pour chaque visiteur n’est pas chose facile : chacun a ses habitudes, ses peurs et sa propre idée des vacances idéales.

La série se distingue avant tout par son animation en stop motion. Les personnages texturés et les décors miniatures donnent à la station l’apparence d’un lieu bien réel. Les mouvements et les petites réactions des Pokémon sont particulièrement agréables à observer ; même sans parler, ces créatures familières affichent des personnalités expressives.

Le réalisateur Iku Ogawa et dwarf studios signent une histoire tout en douceur sur l’attention portée aux autres, la communication et le droit de ralentir. Pas de grandes batailles ni de missions pour sauver le monde, mais beaucoup d’humour bon enfant et de préoccupations quotidiennes auxquelles on peut s’identifier. Les huit courts épisodes, sortis en 2023 et 2025, constituent une porte d’entrée accueillante dans l’univers Pokémon pour toute la famille, sans avoir à mémoriser des centaines d’espèces ni à apprendre les règles des combats.

Sonic the Hedgehog montre que les fans peuvent avoir une influence positive sur la production d’un film. Le hérisson bleu était affreux dans la première bande-annonce, ce qui a provoqué une avalanche de mèmes et de blagues en ligne. Cette version du personnage a même été tournée en dérision dans un autre film, Chip 'n Dale: Rescue Rangers.

Les cinéastes ont écouté les critiques et redessiné Sonic pour qu’il ressemble à son équivalent dans les jeux vidéo.

Le premier film suit une histoire des origines classique, en présentant le Dr Robotnik et les amis humains de Sonic. Le deuxième est une suite idéale, qui développe tout ce que le premier avait réussi. Les deux films racontent une histoire inédite plutôt que de reprendre celle des jeux, ce qui joue en leur faveur étant donné la complexité de l’univers de Sonic.

L’interprétation inimitable de Jim Carrey dans le rôle du méchant est l’un des principaux atouts des films. Il a également repris son rôle dans le troisième volet, sorti en 2024, en incarnant cette fois deux personnages.

À partir du troisième film, l’entourage de Sonic est suffisamment étoffé pour que la série dépasse les présentations et s’attaque à un conflit de plus grande ampleur. Le nouvel adversaire est Shadow, un autre hérisson supersonique dont l’air sombre dissimule un passé tragique. Pour l’affronter, Sonic, Tails et Knuckles doivent s’allier à des partenaires inattendus.

Le réalisateur Jeff Fowler reprend des éléments essentiels de Sonic Adventure 2 et les intègre à l’univers établi par les films. Shadow apporte à l’histoire le poids qui lui manquait, tandis que Jim Carrey l’empêche de devenir trop sérieuse. En jouant deux Robotnik, il s’en donne visiblement à cœur joie. Le film fait également place à des combats d’envergure, qui permettent enfin aux personnages de déployer toute leur puissance.

L’humour vise toujours un large public familial, si bien que certaines parenthèses comiques peuvent sembler superflues. L’intrigue principale gagne toutefois beaucoup à mettre en scène un adversaire dont les motivations sont crédibles. Le troisième film montre comment une adaptation de jeu vidéo peut enrichir progressivement son univers tout en conservant le charme et l’atmosphère familière des précédents volets.

Cuphead est réputé comme l’un des jeux les plus difficiles qui soient. Son principal attrait réside dans ses boss atypiques, qui enchaînent une grande variété d’attaques au fil de plusieurs phases. Les aventures de Cuphead et Mugman, en revanche, ne s’accompagnaient guère d’une histoire globale.

La série animée entendait changer la donne en explorant le passé des boss du jeu et en donnant à ses héros une véritable profondeur, avec leurs propres désirs, personnalités et convictions.

L’humour ne plaira toutefois pas à tout le monde. Par moments, il semble s’adresser exclusivement aux enfants ; à d’autres, il va étonnamment loin dans un registre adulte.

Le film d’animation Mario a été l’une des plus grandes surprises de 2023. Le film d’Illumination a rapporté plus de 1,36 milliard de dollars, devenant l’une des adaptations de jeux vidéo les plus lucratives. Les fans ont adoré l’animation et la fidélité des designs des personnages. Une suite, The Super Mario Galaxy Movie, est sortie en avril 2026. La liste des films Nintendo s’étoffe également au-delà de Mario : une adaptation en prises de vues réelles de The Legend of Zelda doit sortir en salles l’année prochaine, le 30 avril 2027.

Minecraft n’a pas d’histoire unique qu’il suffirait de transposer à l’écran. Les cinéastes ont plutôt imaginé le récit de quatre personnes qui franchissent un portail et se retrouvent dans un monde fait de blocs. Pour rentrer chez eux, ils doivent apprendre à fabriquer des objets, rencontrer les habitants et trouver un terrain d’entente avec Steve, un touche-à-tout chevronné incarné par Jack Black.

Les personnages récoltent des ressources, fabriquent des objets, prennent des wagonnets et fuient les Creepers : autant d’activités familières aux joueurs de Minecraft. Dans le rôle de Steve, Jack Black explique avec enthousiasme le fonctionnement de ce monde aux nouveaux venus, tandis que le personnage de Jason Momoa se retrouve sans cesse dans des situations absurdes.

A Minecraft Movie est devenu l’un des plus grands phénomènes cinématographiques de 2025. Ses quelque 960 millions de dollars de recettes mondiales et le cri devenu viral « Chicken jockey! » témoignent de l’ampleur de son succès. Pour certains spectateurs, aller au cinéma s’est transformé en événement collectif : ils lançaient des répliques familières comme s’ils se trouvaient au milieu d’un immense rassemblement de fans de Minecraft.

L’intrigue est prévisible et les personnages gagneraient à être plus approfondis. L’attrait principal réside dans cet univers familier, son humour absurde et l’impression qu’une session de jeu entre amis s’est transformée en film d’aventure à gros budget. Pour découvrir ce qui fonctionne et ce qui pèche, lisez notre critique de A Minecraft Movie.

Notre recommandation numéro un est Resident Evil (2026) de Zach Cregger. Avec 96 % d’avis positifs de la part des critiques sur Rotten Tomatoes, le film obtient une note exceptionnellement élevée pour une adaptation de jeu vidéo. Son histoire indépendante restitue la tension du survival horror sans nécessiter de connaître les films ou les jeux précédents.

Pour l’aventure, essayez Lara Croft: Tomb Raider ou Prince of Persia: The Sands of Time. Warcraft est un bon choix pour la fantasy, tandis que Mortal Kombat (1995) offre de l’action et des arts martiaux. Pour un film de course inspiré d’une histoire vraie, optez pour Gran Turismo.

Fallout, Arcane et Cyberpunk: Edgerunners présentent leur univers et leurs personnages au fil du récit. Vous n’avez pas besoin d’avoir joué aux jeux au préalable. Vous risquez de manquer quelques références, mais les principaux événements et conflits resteront compréhensibles.

The Super Mario Bros. Movie, les films Sonic et Pokémon Detective Pikachu sont de bons choix pour celles et ceux qui aiment l’aventure, l’humour et les personnages hauts en couleur. Pour quelque chose de plus doux, essayez Pokémon Concierge, qui s’intéresse au quotidien d’un complexe hôtelier et aux soins apportés à ses hôtes insolites plutôt qu’aux grandes batailles.

Silent Hill (2006) propose une horreur surnaturelle et une atmosphère inquiétante, tandis que Resident Evil (2026) met en scène une lutte tendue pour la survie face aux infectés. Exit 8 construit son horreur autour d’un piège psychologique et de la nécessité de repérer des anomalies. Si les animatroniques sinistres sont davantage votre truc, Five Nights at Freddy’s figure aussi sur la liste.

Cyberpunk: Edgerunners raconte une histoire tragique à Night City, Devil May Cry offre des combats spectaculaires contre des démons et NieR: Automata Ver 1.1a suit une guerre entre androïdes et machines sur une Terre abandonnée par l’humanité. Les amateurs de mystères peuvent essayer Gnosia, où une boucle temporelle complique la recherche d’imposteurs à bord d’un vaisseau spatial.

Arcane, la série originale Castlevania et NieR: Automata Ver 1.1a. Les trois concluent leur intrigue principale : vous pouvez donc les regarder sans attendre une nouvelle saison. Castlevania: Nocturne est une série à part, consacrée à une autre génération de personnages dans le même univers.

Non. Resident Evil de Zach Cregger est une adaptation indépendante qui ne poursuit pas l’histoire d’Alice dans les films avec Milla Jovovich. Son nouveau protagoniste, Brian, est un coursier médical : il n’est donc pas nécessaire de connaître les adaptations précédentes.

Warcraft et Assassin’s Creed méritent-ils leur place parmi les meilleures adaptations de jeux vidéo, ou sommes-nous trop indulgents ? Dites-nous dans les commentaires quels films vous retireriez de la liste et par quoi vous les remplaceriez.

Si vous cherchez d’autres choses à regarder, voici quelques films adaptés de jeux vidéo sortis en 2025 et 2026. Leur qualité est toutefois inégale, et certaines de ces adaptations récentes n’ont pas été à la hauteur des attentes.

Mario, Luigi et la princesse Peach partent dans l’espace tandis que l’univers familier de Nintendo s’étend à toute une galaxie. Cette aventure animée colorée regorge de références aux jeux, mais mise bien davantage sur le spectacle et la nostalgie que sur une histoire captivante.

Ryu et Ken reprennent le combat lorsque Chun-Li les invite à un tournoi dissimulant une sinistre conspiration. Les combattants familiers et le style volontairement extravagant plairont aux fans des jeux, mais une intrigue confuse empêche le film de rejoindre les meilleures adaptations.

Un groupe d’amis se retrouve pris dans une boucle temporelle : à chaque mort, la nuit recommence et une nouvelle menace apparaît. Il ne reste pas grand-chose de l’histoire du jeu, mais les amateurs d’horreur gore découvriront une variété de monstres et quelques scènes d’action inventives.

Christophe Gans revient dans la franchise avec une adaptation de Silent Hill 2, où James Sunderland reçoit une lettre de Mary et part à sa recherche dans la ville noyée dans le brouillard. Les monstres et les images familières sont bien là, mais le film est loin d’égaler la profondeur émotionnelle et l’atmosphère oppressante du jeu.

Abby tente de retrouver les animatroniques, tandis que Mike et Vanessa font face à une nouvelle menace et se confrontent au passé de la pizzeria. La suite s’appuie sur des personnages familiers et des clins d’œil aux fans ; elle séduira donc davantage les spectateurs investis dans l’histoire de la franchise que ceux qui cherchent simplement un film effrayant.